Sam Dunn hizo lo que todo metalero que haya estudiado más allá del bachillerato siempre quiso hacer, “algo metalero” que no sea solamente música. Finalmente actos metaleros pueden ser muchos, incluso cuando estudié comunicación social lo hice con la firme intención de producir algo, en lo cual, claro está, fracasé. Ahora, después de muchos años, estudio filosofía, y si bien no creo que produzca algo de metal allí, tengo la convicción de que esa idea nació en los días en que en vez de libros lo que leía y traducía eran las letras fotocopiadas de los discos de Metallica, Iron Maiden, Judas Priest, Megadeth, Voivod o Testament. Es decir, a la par de la música me interesaban las ideas, así fueran simples o complejas, conformistas o provocadoras.

Sam Dunn en el 2008 investigó algo que en 1991 a mi también me inquietaba, y eran las redes internacionales underground que nos llevaba a escribirnos cartas en inglés secretarial con desconocidos en alguna parte de Inglaterra u Holanda, confiar algunos dólares y obtener al cabo de dos meses alguna pasta extraña que luego resultaba ser tremenda joya. Así conocimos a Autopsy, Hideous Mangleus, Sore Throath, Righteous Pigs, Nomed, Carcass, entre otros. Seguramente así algunos europeos de mi edad conocieron a Masacre, La Pestilencia, Confusion e Inquisition. En esa época nadie tenía computador y nunca soñamos que habría una vaina llamada Internet y que hiciera lo que la Internet hace.

En Cali nunca nos pareció posible que a Colombia llegara alguna banda importante, quince años después, en Bogotá, se pueden juntar cuatro bandas de primer orden (Maiden, Dio, Arch Enemey, Anthrax) antes privilegio de brasileros y argentinos.

El documental Global Metal de Sam Dunn, me resultó más emocionante que el Metal: A Headbanger’s Journey, que sin duda es de los trabajos más importantes que se han hecho en cuanto cultura metal. ¿Como existe un área en comunicación que se llama “divulgación de la ciencia” uno podría inventarse algo así como “divulgación de la cultura metal”?

Dunn nos provee un panorama global de cómo el metal, desde hace rato, se ha desbordado de Occidente y ha bañado a su modo lugares tan disímiles como India, China, Brazil, Iran, Israel, Noruega (en M:AH’J) e Indonesia. Lo más interesante que nos muestra el documental es que finalmente el metal no es solamente un producto que se disfruta por igual, sino que éste es asimilado, convertido, transformado y devuelto con otras significaciones, estéticas y sonidos. Sin embargo, y contradictoriamente a este juego de diversidad, cuando Dunn le pregunta a Bruce Dickinson si no le sorprende que a través de la música de Maiden tanta gente de partes tan diferentes se puedan conectar, él responde, que después de tantas giras nada lo sorprende pues finalmente “los chicos son chicos y todos quieren gritar”.

El metal es un asunto tan personal como colectivo. El metal es un buen contra-ejemplo para tercos comunitaristas, quienes a veces creen que el proceso de desvinculación del individuo de su entorno grupal produce seres egoístas y vulnerables.

Toda tradición es coercitiva, conservadora y estática. Gracias a la posibilidad moderna de saber cómo se vive en otras culturas, jóvenes de Irán, India e Indonesia se dan cuenta de que hay otras formas de ser, que hay jóvenes que no tienen que casarse a los 18, que pueden independizarse, no ir al ejercito ni hacerse matar por una religión o un país.

Es cierto que no todo en la cultura metal es búsqueda de libertad y desahogo simbólico (hay quienes a través del metal expresan fundamentalismos nacionalistas o religiosos), pero es posible creer que para algunos jóvenes el metal es una fuerza que ayuda a romper vínculos, cuestionar los dogmas de la tradición.

El metal a largo plazo es un motor constructor de una nueva sensibilidad, una comunidad más amplia, menos dogmática, más lúdica, más erótica, no territorializada ni basada en criterios étnicos.

Después de haber absorbido tanta teoría anticolonialista debo reconocer que hay cosas que amo profundamente de haber nacido bajo la influencia directa de Occidente. El rock en su forma metal, diría yo, es uno de los elementos más interesantes y liberadores  de la cultura popular que ha nacido en este Occidente tan criticado y satanizado.

¡ Larga vida al metal!!

The Last Hang Man es la película basada en la historia de Albert Pierrepoint, caballlero amable e impecable que tenía un trabajo poco grato, colgar a los sentenciados a pena capital.

Albert hereda esta profesión de su padre y su abuelo, sin embargo, desde el primer momento, se exhibe como el mejor en su trabajo. En esta situación la calidad se mide en la velocidad de la acción y el menor grado de sufrimiento que se le propicie a la victima.

La historia y la película son sumamente interesantes pues ponen en escena el accionar violento del estado, donde personas como Pierrepoint son simples operarios, como quienes son los encargados de tirar la basura en cualquier factoría.

En este caso la figura de Pierrepoint es sumamente clara. En él, aparentemente, no se revela mayor sufrimiento. Sabe que su trabajo no es grato, sin embargo, para resolver la presión de la culpa evidente, emplea su inteligencia para crear una técnica de muerte sumamente efectiva en tanto, como se mencionó, acortaba el proceso de ahorcamiento. Como verdugo nunca se ve en él placer por su trabajo, por lo contrario, interioriza su lugar como instrumento de la maquinaría de justicia. Después del proceso Albert se esmera en cuidados con el cadáver, pues como dice él: “ya ha pagado su culpa”.

En la intimidad Albert es un esposo normal que se esfuerza por proporcionarle a su esposa la mayor comodidad y esperanza posible. Cuando Albert decide confesar a qué se dedica su esposa hace rato lo sabe. En cierta forma, ni Albert ni su esposa son inmunes a la profunda sensación  de culpa, pero la aprobación del Estado y el nivel de vida que poco a poco van alcanzando los protege y tranquiliza. Sin embargo, es en la relación con su esposa donde se revela un Pierrepoint sumamente dependiente de la aprobación de los otros, especialmente de su mujer. Ella se concentra en la administración del dinero que empieza a ganar Albert, está pendiente de los “trabajos” que no han sido pagados y decide cuál será la mejor forma de invertir el dinero. Algo similar a una mamá de sicario o de chica pre-pago.

Aquí no contaremos el giro dramático que toma la película pues el propósito no es relatar la historia, pero vale la pena mencionar el giro simbólico que significó para Pierrepoint, en contra de su deseo, adquirir la fama. El ajusticiamiento de los criminales nazis lo convirtió no sólo en un ejecutor más, sino en un casi héroe de la post-guerra.

Cuando el ejecutor tiene un rostro y nombre público su trabajo pasa de ser instrumental a simbólico. El ente aprobador cambia, pasa de ser solamente el estado y la propia moral a la moral y la pasión de la gente.

Muy buen trabajo de Adrian Shergold, de quien antes había visto la adaptación de la novela de Jane Austen, Persuasión, la cual me gustó bastante.

El principal valor de The last hang man, es que logra llevar una historia, que finalmente es un dilema ético y moral, por todo el centro, sin dramatizar al exceso pero sin desensibilizarse de la tragedia humana que en todo sentido película e historia exponen.

Sinopsis: Tras el asesinato de su marido, Louise, militante de la resistencia francesa, huye a Londres donde la contrata el SOE, el servicio secreto de información y sabotaje capitaneado por Churchill. Enseguida recibe su primera misión urgente: liberar a un agente británico apresado por los alemanes mientras preparaba el desembarco de los aliados en las playas de Normandía. No ha hablado aún pero urge intervenir. Louise tendrá que empezar por formar un comando de mujeres idóneas y para reclutarlas, cualquier método es bueno: mentirles, chantajearlas, abreviarles la condena…

Comentario PF

Aunque evidentemente es una película de carácter histórico y en apariencia las acciones se inspiran en hechos reales, es imposible no comparar a estás bellas mujeres con las intrépidas Ángeles de Charlie. Eso es solamente una impresión.

La película tiene una muy buena factura, las actuaciones son notables y desde el primer momento uno sabe que la emoción va a estar presente. No es la maravilla pero digamos que cumple su cometido hasta que, de un momento a otro, pareciera que un simio o un productor bastante tacaño, se apoderara del guión, pues lo que hasta ese momento (diez minutos antes del final) era precisión y cálculo, se vuelve torpeza y apuro.

Es imposible no sentirse defraudado, no porque el final sea o no lo que se quiere, sino por la mala forma en que se le da término.

Otra cosa en que creo falla la película, es en el casting del oficial alemán, cuya muerte es el objeto de la misión. Resulta demasiado buen mozo, agradable, delicado, en pocas palabras, ni refleja la perversidad acostumbrada de los oficiales nazis (desde otra perspectiva esto puede ser bueno) y por lo tanto uno no le hace mucha fuerte a que estas mujeres den en el blanco.

Excelente la escena del lanzamiento desde el avión.

Últimamente he estado recogiendo películas de corte histórico, evidentemente no producciones súper actuales, sino cogiendo de aquí y acullá. Hoy que fui donde uno de mis proveedores de películas piratas, una sensual madre soltera, que si bien no es tan bonita resulta bastante simpática y localmente convocante, me encontré con los Fantasmas de Goya, película de Milos Forman, que pensé que solamente por el hecho ser sobre Goya y haber visto algunos cortes interesantes, iba a resultar buena e ilustrativa.

Y sí. Al comienzo como que el asunto iba bien. El tipo que hace de Goya, Stellan Skarsgard, más o menos convincente aunque un poco débil de carácter; el ambiente de la curia y la idea de revitalizar la cacería de brujas, algo bien; Inés, angelito que pintaba Goya (Natalie Portman), se va a una Taberna de mala muerte, aunque raro porque ella es adinerada, (es alternativa la chica) y allí le ofrecen comida, entre los platos un lechón desagradable que parece prestado de La Piel (película italiana), pero ella no quiere cerdo y lo rechaza con desden, de allí que los paranoicos uribistas, ¡perdón! los “sapos” de la inquisición, la vean como sospechosa de judía y entonces la acusan ante el tribunal donde la torturan hasta que la pobre niña confiesa (sin que lo veamos) que sí practica ritos judaicos, pues por evitar el dolor de la tortura cualquier cosa se dice; El padre Lorenzo (Javier Bardem), que se debate entre su fanatismo religioso y su sensibilidad por el arte, resulta torturado por el padre de Inés, quien lo obliga a firmar una absurda confesión donde se afirma que el religioso es hijo de un gorila y una orangután, (la mejor parte de la película) lo cual de ser llevado a sus patrones eclesiales le traería problemas, donc, en medio del chantaje, debe tratar de interceder por la niña Inés, pero no puede, pues la iglesia es inclemente, aunque sí puede darle a ella, quien duerme desnuda en un rincón de la sucia mazmorra, un poco de apasionado y apretado afecto; y la cosa sigue, pasan vainas tan interesantes como inverosímiles y tan mal contadas que no vale la pena comentar más ….

No puedo creer que alguien tan afamado como Milos Forman haga una película tan defectuosa, pues después de los primeros cuarenta minutos, digamos interesantes, con caídas en el camino, la película se pierde. En serio. La película se pierde. Se nota en los diálogos (¿qué estabas haciendo en ese momento Carriere?), en los planos absurdos del traductor del ya sordo Goya, quién más que el gran artista, ahora parecía un estudiante de comunicación social o cine, que por casualidad de la vida se topa con una sorprendente historia de “intriga y pasión” (la de Inés con Lorenzo) y en vez de una MiniDV para registrar esta “chiva” debe hacerlo por medio de grabados y grabados. Película totalmente hecha a tirones, a retazos, como un collage a conjunto por parte de los estudiantes menos atentos de la clase.

Lo pienso. Una cuestión perdonable para un principiante pero no para gente con tanta, tanta experiencia. Esa ha sido la reflexión más importante.

No sé, no me cabe en la cabeza aún esto.

Se me ocurre que todo fue un experimento, un poco como eso que a veces hacía magistralmente Rohmer: empezar una película y construir el guión de acuerdo a las contingencias de los hechos, un poco al azar. Sólo que Rohmer, como sabe que es arriesgado, no involucra presupuestos millonarios, pues Rohmer necesita pocas cosas para hacerme feliz. Entonces estos tipos (o tíos si estás en la península) empiezan la peli, Goya pintando, que la iglesia, que la inquisición y entonces en la escena de la taberna iba a resultar que Inés iba a comer y beber excesivamente, entonces borracha -¿vamos a ver qué pasa, coño?- Pero, le ofrecen el lechón y ella lo rechaza, claro,

-!cómo no lo habíamos pensando, ¡joder!, (o ¡shit!) Natalie Portman es judía- y bueno, ahí tenéis el primer giro dramático y así se resuelve todo lo demás. Quiero pensar que el Padre Lorenzo se aprovecha de Inés como algo medio planificado y no fue que Bardem, aburrido de tanta inconsistencia, no se pudiera controlar ante las nalguitas en flor de Natalie. Y así la película continúa hasta que claro, Milos Forman mete la cuchara y para terminar la película dice – ¡Yes, England rules! Y entonces los ingleses, como vaqueros del Oeste, liberan a mi tatarabuela España, y sin violar como hicieron los sucios franchutes.

Río y friego por no llorar, porque de verdad esperaba una buena película.

PD: Lo mejor: La puesta en escena de las técnicas de Goya.

Lo peor: El primerísimo primer plano de los labios de Goya y Francisco cuando

discuten sobre quién es más “ramero” de los dos.  Pareciera que la

cámara quedo sin camarógrafo y al chico de los refrescos le dejaron

grabar esa escena.

Hay un grupo en Colombia, más exactamente de Bogotá, que molesta a mucha gente, incluso a la gente joven, que por esas cosas de este país, resulta a veces más conservadora y chauvinista que los viejos.

Odio a Botero es una banda que hace música de tendencia punk, con guitarras potentes y juegos de voces entre los gritos del cantante y la voz melodiosa y dulce de la vocalista. Algunos discuten si es una banda punk o no. Eso no importa. En lo personal me gusta la música de Odio a Botero como sus letras, pero por sobre todas las cosas me gusta su actitud.

En un país que desde los medios de comunicación en sintonía con los deseos del gobierno y de los círculos tradicionales del poder, todos los días se hace una operación retórica para cohesionar a todos los colombianos bajo unos ideales ingenuos y excluyentes, gritar que se odia a Botero, (que como ellos mismos dicen es lo mismo que odiar a Shakira, Juanes, Juan Pablo Montoya, etc.) es una propuesta valiosa y necesaria.

Masacre en Colombia

Odio a Botero no indica necesariamente el absurdo del odio personal, que de seguro estos muchachos no tienen, (no les gusta, que es otra cosa) pero sí simboliza el odio a toda una forma de pensar que cada día se toma a los colombianos, la derechización de la mentalidad. Odio a Botero representa el desacuerdo con los valores tradicionales que pretenden ser impuestos mediante una retórica naturalizada desde los medios de comunicación, esto con la intención de fortalecer una imagen de país que no corresponde con la de todos los colombianos, pero que es conveniente para unos intereses particulares.

Botero no produce el odio de estos muchachos bogotanos. El odio lo produce la banalización mediática y la manipulación discursiva del gobierno, que pretende hacernos creer que las escasas figuras colombianas que tienen un lugar en el escenario mundial representan la grandeza de una “raza”, “el talento de un pueblo”, “la pasión de una comunidad”.

Odio a Botero, odia es el conformismo de los colombianos para con nuestro país, odia la facilidad con la que nos desconectamos de las realidades que viven otros compatriotas, aquellos que recorren territorios huyendo aterrorizados de las masacres, de los combates, de las presiones, de la injusticia que es la ley en estos lugares, de aquellos que a escasos minutos de nuestros hogares viven otras realidades, terribles y desconcertantes.

Odio a Botero representa la rabia que sentimos muchos ante el juego cómico y cínico que se exhibe en los medios y cuyos payasos principales son presentadores, periodistas acomodados y las figuras más visibles del gobierno.

Pero a su vez Odio a Botero es la ironía, el sarcasmo, la satisfacción negativa que sentimos al percibir, con humor, que finalmente nada vale la pena, que todo es un absurdo, que todo está en el lenguaje y que es muy fácil subvertir esa pretendida realidad.

PD: Palabra Fugitiva piensa que Botero no es un mal pintor y que su obra es interesante dentro de lo que constituye la naturaleza de su propuesta. Es igualmente comprensible que haya quienes no aprueben a Botero como el gran artista que se quiere hacer creer. Lamento que la situación propia del país, donde se tiende a radicalizar y dividir entre negro y blanco, no permita la aceptación de las personas dentro de sus contradicciones y complejidades. “Odio a Botero” es una muestra de que las incongruencias normales entre nosotros, pueden darse en el campo del arte. No se trata de ser buenos, indulgentes y bonachones entre nosotros. Se trata de no matarnos. El estado debería proteger ésto.

Incluyo este texto pues dentro de la convicción personal de que el pragmatismo de Rorty es una de las mejores opciones para integrar la filosofía a reflexiones concretas y a problemas urgentes, creo prundente dar lugar en este espacio a las voces que se oponen con argumentos a la perspectiva intelectual de Richard Rorty.

Leszek Kolakowski: Una Observación sobre Rorty

“No hablemos de la supuesta “naturaleza intrínseca de la realidad” y de la necesidad de liberarnos de este concepto. En el habla cotidiana, cuando decimos “llueve”, no tenemos en mente una naturaleza intrínseca de la realidad en que llueve. No tememos en mente otra cosa que “es el caso que llueve”. ¿Implica esa manera de hablar un platonismo oculto, una creencia en una verdad trascendental y transcultural? Si es el caso que llueve. ¿es esto verdadero para cualquier criatura racional? No, y tal vez Rorty no diría que lo es. Aceptaría la manera común de hablar (es el caso que llueve), pero rechazaría un significado particular que, a su juicio, algunos filósofos le atribuyen, a saber, la idea de realidad independiente del pensamiento y el lenguaje humano, una realidad en que se verdadero y eternamente verdadero que ahora llueve.

Si le he entendido bien, la opinión de Rorty es negativa a este respecto: más que sugerir o inventar una epistemología propia, lo que quiere es prescindir de toda epistemología, de cuestiones cartesianas, lockeanas y kantianas. Prefiere no asumir la posición del “relativista” que dice que lo que llamamos “verdadero” es subjetivo o inventado, porque eso lo dejaría atrapado en problemas difíciles de resolver; simplemente quisiera destruir ciertos hábitos filosóficos (adecuación, correspondencia, etc.) Puesto que sus fines no parecen cambiar en nada la manera en que las personas ordinarias se comunican entre sí en la vida cotidiana, sólo puede interesar a un puñado de filósofos (esto no es una objeción) que siguen pegados a la estéril tradición que legitima la oposición sujeto/objeto, así como a la idea de una realidad que simplemente está allí a la espera de descubridores. La distinción que necesitamos y que, según Rorty, de hecho empleamos, es que se da entre más útil y menos útil (o inútil, presumiblemente, o dañino).

El que la cuestión sólo tenga interés para unos pocos filósofos y carezca de consecuencias para la vida y el pensar de otras personas no hace de ella una cuestión vacía. Con toda seguridad, los filósofos hablan de las cosas de las que siempre han hablado- Dios, la verdad, la justicia, el bien y el mal, etc.- mientras que los profesores de filosofía, como observó Gilson, hablan de filosofía. Tanto Rorty como yo mismo pertenecemos a la clase de los profesores. No podemos evitarlo”.

Tomado de:

Debate Sobre la Situación Actual de la Filosofía

Josék Niznik, John Sanders

Cátedra- Colección Teorema, Madrid, 2000, Pags 76.

Si te interesa el documento completo descargarlo aquí

una Observación sobre Rorty de Leszek Kolakowsky

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“…Como neotene, continúo presentando toda mi vida, no los rasgos de los antropoides adultos de la ramificación principal, sino los signos de sus fetos. Como neotene, sufro de una prematuración original que perdura toda mi vida y acarrea un retardo general de mi desarrollo. Mi pequeño soma de neotene está retrasado respecto a lo que está escrito en el gran libro de mi germen. Mi desarrollo físico lentificado ya no realiza las posibilidades inscritas en mi germen. El curso de la vida de mi vida de neotene está marcado por la lentificación: extensión desmesurada de la infancia que ocupa casi una cuarta parte de la existencia, inmadurez craneana, retardo sexual…

Por supuesto, Bolk no fue escuchado. Se burlaron de él y sus teorías fueron tomadas en broma durante decenas de años antes de ser suficientemente enmendadas hace poco, vaciadas de todo posible resabio racista (los Blancos son más neotenes que los Negros) y relanzadas de esta manera, particularmente desde los trabajos del gran bioantropólogo americano Gould.

Porque era preciso que yo fuera el rey de la creación, su coronación, su apoteosis. Si yo no era el hijo querido de los dioses tan celebrado, tan esperado, tan anunciado, por lo menos era preciso que fuese la coronación del proceso natural. Pero que un neotene jodido pretendiese instalarse en el trono de la Creación, ¡era demasiado! Dirígete, mi hermosa amiga, hacia nuestra biblioteca, y abre El origen de las especies en el capítulo VI. Verás que Darwin, en su inmenso genio, había concebido la hipótesis de una posibilidad neoténica. No obstante, no pudo admitir esta hipótesis más que como una regresión eventualmente aplicable a los seres de metamorfosis como las mariposas y los batracios, pero en ningún caso a mí mismo: «Se sabe actualmente que algunos animales están aptos para reproducirse en una edad muy precoz, aun antes de haber adquirido sus caracteres adultos completos; si esta facultad llegase a tomar un desarrollo considerable en una especie, es probable que el estado adulto de tales animales se perdiese tarde o temprano; en ese caso, el carácter de la especie tendería a modificarse y a degradarse considerablemente, sobre todo si la larva difiriese mucho de la forma adulta.».

(…)

Fue un extraño pececito reptíleo pescado en el s. XIX en uno de los lagos mexicanos en donde pulula, bonito como una estatuilla china, de cuerpo diáfano prolongado por patas de increíble fineza, provisto de una cara ausente iluminada por dos ojos de oro transparentes enmarcados por finas branquias rojas como un coral, el que puso fin a este hermoso sueño.

Este pececito que los mexicanos llaman ajolote y que se lo bautiza axolotl, fue llevado a París. Y, unas semanas más tarde, se encontró a cambio una salamandra marmórea adaptada para la vida aérea, conocida ya con el nombre de amblystoma tygrinum… Mucho más tarde, vino a la mente la idea de administrarle hormonas tiroideas a esas bestezuelas. Y se vio como el axolotl perdía sus branquias, desarrollaba la respiración pulmonar y abandonaba la vida acuática. Sólo entonces se entendió lo que había sucedido. Algunos batracios conservan una forma larvaria durante toda su vida y hasta pueden llegar a reproducirse y perpetuarse de esta testaruda forma sin llegar a alcanzar jamás el estado adulto.

En los lagos americanos, el axolotl llega al estado de amblístoma mientras que en los lagos mexicanos, se fija definitivamente hasta el punto de reemplazar al amblístoma. Es cruel para los sabios, pero es así: el axolotl deja de recapitularse en el camino. No sólo la formación del individuo cesa en un cierto estadio de desarrollo sin alcanzar la perfección salamandresca de la forma adulta, sino que, además, esta forma transitoria se estabiliza y da lugar a una nueva especie capaz de reproducirse y de transmitir esta forma juvenil así fijada.

Con esta transmisión de caracteres juveniles normalmente transitorios, el concepto de neotenia toma una dimensión muy diferente. Empieza a caracterizar ya no un simple fenómeno ontogenético, un accidente ocurrido en algunos amblístomas de los lagos mexicanos, sino un hecho filogenético: el desdoblamiento de una especie”

Tomado de : CARTA SOBRE LOS NEOTENES, LOS AXOLOTL Y LAS VENUS DE BOTERO [Tomado de: Lettres sur la nature humaine à l´usage des survivants [Cartas sobre la naturaleza humana para uso de los sobrevivientes] de Dany- Robert Dufour. Calmann-Lévy, 1999. Cap. 1, págs. 17 a 35.

Traducción al español por Pio Eduardo Sanmiguel]

Descargar Capítulo completo cap_1_sobre_los_s_de_botero

Entrevista a Dany – Robert Dufour

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“No tratar las creencias ni las palabras como representaciones, sino las primeras como hábitos de acción y las últimas como herramientas, es dejar sin sentido a la pregunta por si se está descubriendo o inventando, haciendo o encontrando. Es inútil dividir de esta manera la acción de organismo y el medio. Veamos un ejemplo. Normalmente decimos que una cuenta bancaria es una construcción social, no un objeto del mundo natural, mientras que una jirafa es un objeto del mundo natural y no una construcción social. Las cuentas bancarias se hacen (se inventan), las jirafas se encuentran (se descubren).

Ahora bien, la verdad de este enfoque se limita simplemente a que sin la existencia de los seres humanos, habría habido igualmente jirafas, pero no cuentas bancarias. Pero esta independencia causal de las jirafas respecto de los seres humanos no significa que las jirafas sean lo que son con independencia de las necesidades y los intereses humanos.

Por el contrario, describimos las jirafas tal como las describimos, debido a nuestras necesidades e intereses. Hablamos un lenguaje que incluye la palabra “jirafa” porque hacerlo conviene a nuestros propósitos. Lo mismo ocurre con palabras como “órgano”, “célula”, “átomo” y tantas otras, nombres de las partes que están hechas las jirafas, por así decirlo. Todas las descripciones que damos de las cosas son descripciones adaptadas a nuestras finalidades.

Los pragmatistas sostenemos que no tiene sentido afirmar que algunas de estas descripciones recogen “especies naturales”, que cortan la naturaleza por sus articulaciones. La línea divisoria entre una jirafa y el aire que la rodea es muy nítida para un ser humano interesado en cazar para obtener carne. Para una hormiga o una ameba usuarias de lenguaje o para un viajero espacial que nos observara desde muy arriba, esa línea no sería tan neta y no está claro que en esos casos fuera necesaria ni hubiera en el lenguaje una palabra para designar jirafa. Más en general, no está claro que algunas de las millones de maneras de describir el fragmento espaciotemporal ocupado por lo que llamamos “jirafa” se aproxime más que ninguna otra a que las cosas son en sí mismas. Precisamente porque parece inútil preguntar si una jirafa es en realidad una colección de sensaciones reales posibles de los órganos sensoriales humanos, o si es en realidad algo más, nunca tendremos necesidad de preguntarnos si la describimos como es en realidad. Lo único que necesitamos saber es si alguna otra descripción pidiera ser más útil a nuestros propósitos.

Que las descripciones sean relativas a las finalidades es el principal argumento de los pragmatistas para su visión anti- representacional del conocimiento, esto es, la idea de que la investigación tiende a nuestra utilidad más que a una rigurosa explicación de cómo son las cosas en sí mismas”.   Richard Rorty

Tomado de: Debate sobre la situación actual de la filosofía

Jósek niznik y John T. Sanders (eds.)

Cátedra, Madrid, 2000, pags 61-62

Melodrama / SINOPSIS: Petra von Kant es una diseñadora de moda, recientemente separada de su marido, que vive con su secretaria-esclava Marlene (personaje simbólicamente mudo). Cuando su amiga y confidente Sidonie le presenta a Karin, una joven de origen humilde, se enamora locamente de ella y le promete que va a convertirla en una famosa modelo. Sin embargo, la bella aspirante la abandona poco tiempo después para reunirse con su marido, que se encontraba en otro país y que acaba de volver a Frankfurt. Petra cae entonces en una profunda depresión que la hace estallar de rabia delante de su hija, su madre y Sidonie. (FILMAFFINITY)

Abro seriamente el cuaderno Fassbinder, después de muchos años de haber visto El Matrimonio de María Braun. Esperar ver algún día la obra de Fassbinder es algo similar a saber que en algún momento uno se leerá alguna de las novelas de En busca del tiempo perdido de Proust o la Educación Sentimental de Flaubert. Es decir, algún día uno se enfrentará con seriedad y concentración a una gran obra, en este caso yo empiezo trasnochadamente con Rainer Werner Fassbinder.

Las amargas lágrimas de Petra von Kant es un drama oscuro, clasicista, de una belleza perezosa y de unas psicologías magistralmente expuestas, con el necesario plus teatral para que los menos perspicaces entiendan de qué se trata (así luego se quejen pretenciosamente de sobreactuación de dos de las mejores actrices alemanas).

La historia da cuenta de cómo el amor a veces es una relación establecida sobre los huecos emocionales o las necesidades concretas (allí discutiríamos si se trata de amor), lo cual conllevará a la exacerbada ilusión o el devastador paisaje de la no correspondencia. En esta situación es posible caer en el desespero, la locura. El desamor arrastra avasallante todo el sentido de mundo que hemos construido dejándonos en el peor de los infiernos. Luego, en la desnudez, todo se aclara aparentemente y el viaje se reinicia, posible y aconsejablemente siendo otra persona. Hay otras que se resistirán, como el caso de Marlene.

En cuanto a la puesta en escena, pues magistral. Una película que no sale de una habitación – taller, pero tan ricamente decorada que Fassbinder se da el gusto de explorar encuadres y planos secuencia fascinantes. Una película que transcurre el 70% sobre una cama y la única escena de sexo es la protagonizada por dos estáticos maniquíes da cuenta de la riqueza textual y visual de la película.

Es una película obscuramente bella.

Rohmer hace filosofía con los aspectos más sencillos, pero a su vez más determinantes en la vida de las personas. Se banaliza muchas veces el amor, los deseos de conquista, las dudas acerca del tipo de relación que se quiere, y más aún, asuntos como los clasificados para buscar pareja.

Rohmer, otra vez, me ha desestabilizado y me ha permitido unir unas cosas con otras. Se tiene la idea, o por lo menos yo, que quienes buscan una relación a través de los clasificados, son personas superficiales, fracasadas e incapaces socialmente. En Cuento de Otoño, la protagonista Magali, una solitaria e interesante vinicultora de cuarenta y cinco años, con vicios intelectuales, confiesa a su entrañable amiga Isabelle su deseo de encontrar a un hombre, aunque se siente incapaz de socializar, y mucho menos, de caer en el desespero de buscar a alguien por medio de un clasificado. Tanto Isabelle como Rosine (las eternas adolescentes de Rohmer, picaras que juegan con el mundo en sus manos) buscan como hallar el anhelado hombre a su amiga. Isabelle a través del clasificado y Rossine queriendo convertí a su ex amante, su profesor de filosofía, en la pareja de su amiga Magali.

Lo demás es el mago barajando posibilidades, encuentros y desencuentros. Rohmer juega aquí con varias ideas. Por un lado, como una decisión pueril, acudir a los clasificados románticos, puede develar un nuevo escenario, y de hecho, un escenario importante. Por el otro, nos pone a cuestionar ese asunto del destino, del encantamiento por primera vez. Entonces en Rohmer, esta vez, establece que el producir la contingencia, acelerar el hecho, incluso de una forma burda y poco delicada, puede dar lugar a un bello y esperado encuentro, lo que aún en nuestros discursos llamamos “destino”. Porque finalmente Magali pensaba que el hombre que esperaba llegaría por alguna situación a la puerta de su casa de campo. Sin embargo, el atrevimiento de Isabelle fue la llave para que el deseo de su amiga tuviese lugar.

Si en el Cuento de Invierno la clave era la apuesta en lo impensado, pienso que la clave del Cuento de Otoño es la apuesta a nuestra capacidad de construir un nuevo escenario. Apuesta que en este caso fue de la tercera persona, Isabelle.

Aquí todo lo he simplificado. Quedan muchas cosas, otras relaciones, otras posibilidades y de seguro está película contribuirá a mi insomnio cotidiano.

Como siempre Rohmer, insuperable, puro, vivo.